La excusa

Entrevista a Mónica Salerno y Hugo Crexell

Por Florencia Blanca /// florencia.blanca@yahoo.com

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Mauricio Kartun compra un guante rosa en el parque Los Andes y tiempo después cobra tal sentido en la obra Salomé de Chacra que, según el dramaturgo y director, deviene en texto: “es el poder de provocación máximo que tiene Salomé (…) te da el guantecillo rosé y cagaste, quedaste atrapado en ella.” Y cuando escuchás hablar a Kartun sucede lo mismo. Desbordante, como su más reciente obra, te atrapa hablando de Capusotto, Charles Fourier o jardinería. Cuenta que leyó Salomé donde decía Salame de chacra y surgió una obra. Te dice  que “el poder máximo es ser el poeta que uno puede”. Compraste.

Todos estos momentos puede verse en Kartun, el año de Salomé, una película dirigida por Mónica Salerno y Hugo Crexell que sigue durante casi dos años al dramaturgo y la puesta de Salomé…, su cuarta obra como director. “Empezamos con entrevistas en su casa para un programa de TV que nunca salió, idea de Virginia Lauricella (productora del film). En ese momento Kartun nos contó que iba a comenzar con su próximo proyecto. Así comenzamos filmando partes de algunos ensayos. Eso nos llevó a preguntar cómo había nacido la idea, porqué utilizaban determinados objetos. Preguntar resulto ser un buen hilo conductor a la hora de hacer un documental. Si ves la película aparece su mundo, parte del proceso creativo de él. Ningún documental puede abarcar la vida de nadie, por eso no es una biografía” cuenta Mónica. La obra teatral parece escaparse del espectador a lo largo del film y su aparición se retrasa con plena conciencia de las dificultades que ese registro trae aparejado. También podría leerse como lo que Hitchcock denominó un MacGuffin: un elemento que hace avanzar la trama pero que no es lo importante en sí, casi una excusa argumental que en este caso permitiría acceder a aquello que integra el universo creativo de Kartun.

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¿Qué les interesó de su figura?

Mónica Salerno: es un gran maestro, alguien que te contagia las ganas de escribir. Además el cine no suele ocuparse del teatro.

Hugo Crexell: nos pareció interesante su método de trabajo, en el que parte desde un objeto, una foto, muchas veces encontrada en una feria o descartada por otro. Uno termina concluyendo en que la inspiración y la creatividad están siempre al alcance de la mano.

¿Qué rol juegan los lugares que él recorre junto a ustedes (Cariló, Chacarita, San Martín)?

MS: son lugares creativos. En San Martin aparece lo biográfico, es verdad, pero son lugares inspiradores para él, lugares de búsqueda, de descanso, pero todo puesto en relación a su trabajo con la escritura.

El film tuvo su preestreno en la edición 2012 del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y en la Biblioteca Nacional. Acaba de finalizar funciones en el CCC mientras continúa con distintas proyecciones en espacios INCAA. “Si no fuera por el INCAA no íbamos a poder filmarla. Sí los ensayos y entrevistas, pero pudimos realizar un muy buen sonido, un gran trabajo de post-producción, tuvimos música original,  un director de fotografía, pensamos elementos de puesta, trasladamos elementos de la ficción al documental y para eso necesitás pagarle a quienes trabajan con vos. Formamos un gran equipo y para esto el apoyo del INCAA fue necesario.”

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¿Cómo fue el proceso de edición?

MS: fueron un par de meses arduos, pero trabajamos con la gente de Fanfarria para editar. La clave fue tener un montajista que tuviera cierta distancia del material original. Teníamos unas cuarenta horas de video en bruto y sabíamos que queríamos dividirlo por etapas más ligadas a la naturaleza (verano-otoño-invierno-primavera-verano otra vez), la ciudad y la playa, el teatro y el exterior. Hay partes que las editaba Hugo y otras yo, estuvo bueno el trabajo de a dos. Teníamos un guión: qué acciones, qué momentos queríamos mostrar, cómo narrar a través del  fragmento sin explicar el trabajo. Intentamos siempre evitar lo didáctico y optar siempre por lo audiovisual, darle al espectador elementos para que arme por sí mismo el sentido.

¿Tomaron otras películas como referencia?

Nos gustó mucho Lynch One, hecho por el colectivo Blackandwhite, lo recomiendo, y Sketches of Frank Gehry de Sydney Pollack, que retrata el proceso creador del arquitecto norteamericano.

¿Qué directores de cine de su generación les interesan?

MS: estuve viendo muchos documentales y creo que es de lo más interesante que está pasando. Me gustó mucho El gran simulador de Néstor Frenkel.

HC: creo que lo que se está haciendo actualmente en cine documental es de lo más atractivo a nivel audiovisual. Las últimas películas que vi son documentales y descubro que es un campo con mucho por explorar, donde se pueden contar historias utilizando los recursos de la ficción  pero con el agregado que lo que estás contando es una historia real, personajes no ficcionales. Por ejemplo me gustó mucho lo que hizo J.L. García con La Chica del Sur, o como dice Mónica, lo que viene haciendo Frenkel.

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Frente a la intervención de una cámara ¿Qué ganó o perdió la obra Salomé de Chacra?

MS: gana que algunas partes queden para la posteridad. Se ven ensayos con vestuario y al final ves fragmentos con toda la energía de los actores y después la puesta final.  No pierde nada. El documental  no sólo se trata de Salomé…, el titulo es tramposo, la película va más allá, es alguien que hace lo que le gusta y lo enseña, lo trasmite.

HC: es un registro de cómo se hacía teatro a principios del siglo XXI. En ese sentido creo que tiene un valor documental para cualquiera interesado en el teatro en una época futura. Y por qué no, para cualquier estudiante o persona que hoy en día esté en un proceso de formación artística.

¿Encuentran paralelos entre los procesos creativos del cine y el teatro?

MS: sí, claro. Todo lleva tiempo y energía  y paciencia, mucha paciencia. Cuando ensayas estás mucho tiempo trabajando con los actores y siempre hay problemas que solucionar,  todo el tiempo, y una vez que te metes en el proyecto es un trabajo de 24 hs. Todo el día pensás en tu obra. El tiempo y el amor a tu trabajo es el mayor recurso. Siempre tiene que haber humor también, en ambos lugares. No hay diferencias entre cine y teatro, todo va logrando forma con el trabajo día a día, en el ensayo o la edición, volvés a descubrir y a resignificar momentos y sacás lo que sobra.

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