“Si el objetivo es que tu foto esté colgada, no puede haber autocrítica”

marina quiroga

Por Pablo Scoufalos

Marina Quiroga (1984) es fotógrafa y le interesa reflexionar sobre el poder y la manipulación de las imágenes. Dice que separa tajantemente su trabajo comercial de su trabajo artístico. Estudió con Daniel Tubio y ahora quiere que sus propios alumnos “sean críticos con lo que hacen”.  Admira profundamente al fotógrafo cubano Abelardo Morell y asegura que un libro de Susan Sontag le hizo cambiar su percepción sobre la fotografía. Quiere fotografiar toda su vida y afirma: “en la fotografía está todo hecho, la diferencia siempre está la mirada de uno”.

¿Por qué sos fotógrafa? ¿Qué es lo que te apasiona de la fotografía?

Arranqué a hacer fotos cuando estaba en el colegio, vivía en San Fernando. Fui a un lugar en Béccar donde estaba un loco, Pedro, que daba historia de la fotografía y laboratorio. Aluciné con el laboratorio pero nunca pensé que iba a terminar haciendo eso. Cuando terminé la escuela me puse a estudiar diseño. Me decidí a hacer fotografía tres años después. En diseño había elegido una materia optativa de fotografía en la cual tuve un profesor que después fue uno de mis grandes profesores y un gran amigo, Daniel Tubio. Tuve una materia con él y dije: ¿qué estoy haciendo con diseño? Quiero hacer fotografía. Ahí empecé a estudiar, después me fui a España y cuando volví me puse a estudiar con Daniel. Cuando me decidí por la fotografía lo que más me llamaba la atención era la fotografía documental. Pensaba la fotografía como una herramienta para dar voz a gente que no la tiene. Me fui a Europa con toda esa utopía y se me bajó de un hondazo. Antes de irme, un amigo me dio un libro de Susan Sontag, “Ante el dolor de los demás”, y cuando lo leí me empecé a cuestionar hasta qué punto la fotografía era una herramienta para cambiar cosas con las que yo no estaba de acuerdo.

¿Cambiaste tu forma de percibir la fotografía?

Me empecé a cuestionar muchas cosas, y me generó incomodidad fotografiar esas situaciones. Entendí que una imagen puede no contarnos la realidad, que puedan contarnos otras cosas. Hay una imagen muy conocida que sacó un fotógrafo de Clarín en la Marcha por la Vida del 82, donde una madre de un desaparecido empieza a putear a un milico y el tipo para que no lo escrachen la abrazó. Cuando el fotógrafo presentó el rollo creía que no iba a ir esa foto pero en la redacción le dijeron que sí. O cuando Clarín sacó lo de “la crisis causó dos nuevas muertes” y en la foto se ve a Maxi Kosteki en la estación y el policía que lo mató. La gente ve la foto y sigue.

¿Cómo son tus talleres de fotografía?

Arranqué medio de casualidad, para dar clases en la 21 de Barracas. Antes había dado clases asistiendo a Daniel Tubio en la FADU pero era la primera vez que tenía a cargo una clase. Me propusieron que arme un taller de fotografía anual y por una cuestión de escasez de materiales propuse dar un taller de estenopeica. En ese punto empecé a intervenir desde otro lado y salir de la instantaneidad, sobre todo para los adolescentes que no tienen idea lo que es un rollo. Para que pueden entender un poco más del proceso fotográfico, y entender que para sacar una buena foto no se necesita una buena cámara sino esfuerzo y una búsqueda personal. Estuve tres años dando ese taller.

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¿Hicieron muestras a partir de ese taller?

Hicimos en el lugar, nunca pudimos lograr salir de ahí. Pero estuvo interesante lo que generó, poder bajar las ansiedades y que piensen por qué sale así una foto. Seguramente después ninguno vaya a hacer estenopeica y eso no importa. Lo que importa es que puedan analizar el proceso. Está bueno romper con lo de la publicidad, la foto perfecta, los filtros, Instagram, Photoshop. La estenopeica es una herramienta más, accesible e interesante. Creo que debemos pasar por esta experiencia alguna vez.

Pero uno no puede hacer una cruzada contra lo digital y lo accesible. ¿Cómo les decís a tus alumnos que opten por otra opción?

El principal problema es no ser crítico con lo que hacen, que no piensan cómo hacen las cosas, no ven la escena, la luz. Por eso creo que se debería pasar por la experiencia estenopeica, uno arma la cámara, influye en la imagen desde el primer momento.

¿Qué pensás cuando en las redes sociales dicen “qué buena foto” con tanta liviandad?

Y son todas iguales. La realidad es que hay modas. Para mis laburos comerciales me piden filtros muy conocidos y eso para mí es mercantilización. Por un lado está eso y por otro lado está mi obra. Lo divido.

En las galerías, en grandes muestras y festivales de fotografía hay muchas imágenes virtuosas poco originales, que parecen réplicas de otras fotos. ¿Lo percibís así?

Yo ni voy a ArteBA, por ejemplo. De repente hay cosas buenas, claro, pero el mercado del arte no tiene mucho que ver con el arte. Cuando a un fotógrafo le empieza a ir bien con algo, se tiene que atar a eso para seguir vendiendo. Es su forma de hacer que funcione. No es que esté mal o bien pero uno se encasilla y se transforma en una moda. En la fotografía está todo hecho, lo que hace la diferencia es la mirada de uno. Si vos esa mirada la copias de otro, ya no hay nada.

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¿No te parece que hacen faltan espacios de crítica o reflexión sobre la fotografía?

Yo los he tenido a esos espacios. Donde me muevo yo, existen. No estoy en el mundo de las galerías. Cuando volví de España, con Daniel (Tubio) armamos un grupo, era un espacio para reflexionar y en base a eso hacer una producción. Es cierto también que en otros talleres más prestigiosos que he ido no pasaba tanto por reflexionar sino más en producir algo que sea vendible, y eso ya no me interesa. Si el objetivo pasa a ser que tu foto esté colgada, no puede haber autocrítica. Si uno se sale de eso, ahí puede haber lugares para la crítica.

¿Exponés, vendes fotos?

Sí, expuse, vendí y vendos fotos. Pero la diferencia es que no hago fotos para que se vendan. Si a uno viene y le gusta, yo feliz. Pero la intención es otra. Para vender y hacer plata trabajo comercialmente. Me pasó de que me llamen de una galería de Palermo para comprarme las fotos hipnagógicas pero querían que cambie las fotos, quería que cada foto cuente una historia. Está bueno recibir la crítica de alguien pero no me salía hacer lo que querían. Y preferí no hacerlo.

¿Qué fotógrafos locales o extranjeros te gustan, te influencian?

Hay dos fotógrafos que me encantan: Oscar Pintor y Abelardo Morell. Abelardo Morell sobre todas las cosas. Vi su muestra en el Bellas Artes hace unos años, tiene un trabajo con cámaras oscuras en distintas partes del mundo que es hermosa. Tal vez inspirado en él, hice unas fotos en donde se ven proyectadas unas diapositivas en distintos lugares. Otros fotógrafos: Marcos Zimmermann, Adriana Lestido y hay muchos más. Y después colegas más cercanos: mi amiga, mi hermana,  Josefina Jure. Ella tiene una conexión con la gente para hacer fotos que no cualquiera logra.

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Los fotógrafos no suelen hablar ni escribir. Tal vez no ven por qué hacerlo. ¿A vos te pasa eso?

Escribir le da valor al trabajo pero a veces no tiene que ser el mismo fotógrafo. Yo trato de escribir y un amigo de letras me ayuda a darle forma. Hacemos fotos, no escribimos. Por eso nos cuesta. Me siento a escribir sobre las cosas que me emocionan, sentarme a racionalizar algo y escribirlo me cuesta mucho más. Por ejemplo, durante el laburo de Villa Martelli que iba con Don Rypka había fotos que me encantaban y Rypka me dijo un día: podemos amar una foto con todo nuestro ser pero si no funciona dentro de una serie hay que aprender que no va. A mí eso me costaba un montón verlo así. Pero el tipo lo veía porque no estaba involucrado emocionalmente. Así también sucede con la escritura. Me costó aceptarlo, uno se encariña con lo que hace, pero terminé sacando la foto de la serie. Igualmente, después puse esa foto (risas). Cuando hice una muestra en España, la colgué.

¿Sos muy meticulosa con los materiales que trabajás?

Sí con el laboratorio. Mis alumnos están hartos de que los haga hacer tiras de pruebas en el laboratorio. Yo estudié y aprendí con laboratorio blanco y negro, y toda mi carrera la hice con rollo. Mi ojo está entrenado para el blanco y negro, con el color me cuesta mucho más. Cuando volví de España me involucré más con lo digital. Con las computadoras no tengo mucha paciencia, que la imagen se vea de una forma en un monitor y de otra forma en otro me costó mucho aceptarlo. Soy obsesiva con el montaje de una foto, con lo digital no porque se me va la paciencia. En un momento era muy reacia a las fotos de celular pero, por ejemplo, cuando estaba cursando con Juan Travnik una piba hizo una serie con el Iphone y si bien no me conmovió, pensé: es una herramienta más. Con Adela Salzmann teníamos la idea de hacer un proyecto para dar un taller de estenopeica en Flores. Cuando presentamos el proyecto nos dimos cuenta que no podemos evadir que la herramienta a la que acceden los pibes es lo digital. Los pibes ven publicidades y no ven muestras de fotos estenopeicas en el Matienzo. Entonces el taller mutó a fotografía estenopeica y digital.

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¿Crees que el blanco y negro puede disimular errores o disfrazar la foto de virtuosismo?

Porque no estamos acostumbrados, yo creo. Y de repente, la gente cree que es artística. Algo tan básico como eso. Hice fotos de mi sobrina y cuando hice una en blanco y negro, a todos les pareció increíble.

¿Te ves fotografiando toda tu vida?

Sí, creo que sí. Pero soy muy inquieta, hago distintas cosas. Ahora estamos con un proyecto de corto documental sobre Flores con un problema de indocumentación e identidad. Tal vez me pinta hacer una serie envolviendo cosas con papel metálico e iluminando de noche, o de repente quiero hacer fotos más clásicas.

Links:  

– marinafquiroga.com.ar

– facebook.com/MarinaF.QuirogaFotografia

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